Скулптура. Видове скулптура. Монументална, стативна, декоративна скулптура Обемна скулптура на стена в древни векове

Скулптура, скулптура, пластика (от лат. sculptura, от sculpo - изрязвам, издълбавам) е вид изобразително изкуство, чиито произведения имат триизмерна, триизмерна форма.
Скулптурата може да бъде изпълнена във всеки жанр, като най-често срещаните жанрове са фигуративен (портрет, исторически, жанрова композиция, голо тяло, религиозен, митологичен) и анималистичен жанр. Материалите за изработване на скулптурата са разнообразни: метал, камък, глина и печена глина (фаянс, порцелан, теракота, майолика), гипс, дърво, кост и др. Методите за обработка на скулптурата също са разнообразни: леене, коване, щамповане, резба , моделиране, дърворезба и др.
Има два основни вида пластично изкуство: кръгла скулптура (свободно разположена в пространството) и релеф (триизмерните изображения са разположени в равнина).

Кръгла скулптура

Байпасът е едно от най-важните условия за възприемане на кръгла пластика. Образът на скулптурата се възприема по различен начин от различни ъгли на гледане и се раждат нови впечатления.
Кръглата скулптура се разделя на монументална, монументално-декоративна, стативна и малки форми. Монументалната и монументално-декоративната скулптура са тясно свързани с архитектурата.

Стативна скулптура- вид скулптура, която има самостоятелно значение, предназначена да се възприема отблизо и да не е свързана с архитектурата и предметната среда. Обикновено размерът на стативната скулптура е близък до естествения размер. Станковата скулптура се характеризира с психологизъм и сюжетност, често се използва символичен и метафоричен език. Включва различни видове скулптурни композиции: глава, бюст, торс, фигура, група. Един от най-важните жанрове на стативната скулптура е портретът, който предоставя уникална възможност за възприемане - разглеждане на скулптурата от различни гледни точки, което предоставя огромни възможности за многостранно характеризиране на портретуваното лице.

Стативната скулптура включва:

	Бюстово, до кръста или до раменете изображение на човек в кръгла скулптура.
	Малки скулптурни произведения, създадени за интериорна декорация. Малките скулптури включват жанрови фигурки, портрети на маса и играчки.

	Вид малка скулптура - статуя с размер на настолен (шкаф), много по-малка от реалния размер, използвана за вътрешна украса.
	Статуя- свободно стоящо триизмерно изображение на човешка фигура в цял ръст или животно или фантастично същество. Обикновено статуята се поставя на пиедестал.
	Скулптурно изображение на човешки торс без глава, ръце и крака. Торсът може да бъде фрагмент от антична скулптура или самостоятелна скулптурна композиция.

Монументална скулптура- скулптура, пряко свързана с архитектурната среда и характеризираща се с големи размери и значимост на идеите. Разположен в градска или природна среда, той организира архитектурен ансамбъл, органично се интегрира в естествения пейзаж, украсява площади и архитектурни комплекси, създавайки пространствени композиции, които могат да включват архитектурни структури.

Монументалната скулптура включва:

	Мемориал
	Паметник- паметник със значителни размери в чест на голямо историческо събитие, изключителна обществена личност и др.
	Монументална скулптура, предназначен за възприемане от дълги разстояния, изработен е от устойчиви материали (гранит, бронз, мед, стомана) и се монтира в големи открити пространства (на естествени възвишения, върху изкуствено създадени насипи).
	Статуя- произведение на изкуството, създадено за увековечаване на хора или исторически събития. Едно- и многофигурни композиции, бюстове, конни паметници
	Стела- вертикално стояща каменна плоча с надпис, релеф или картинно изображение.
	Обелиск- тетраедричен стълб, стесняващ се нагоре, увенчан с точка под формата на пирамида.
	Рострална колона- свободно стояща колона, чийто багажник е украсен със скулптурни изображения на носовете на кораби
	Триумфалната арка, триумфална порта, триумфална колона - церемониална сграда в чест на военни победи и други значими събития.

Преглеждания: 11 699

Скулптура(лат. sculptura, от sculpo - изрязвам, изрязвам) - вид изобразително изкуство, чиито произведения имат триизмерна форма и са изработени от твърди или пластични материали. В най-широкия смисъл на думата това е изкуството да се създава от глина, восък, камък, метал, дърво, кост и други материали образ на хора, животни и други природни обекти в техните осезаеми, телесни форми.

Художник, който се посвещава на изкуството на скулптурата, се нарича скулптор или скулптор. Основната му задача е да предаде човешката фигура в реална или идеализирана форма, животните играят второстепенна роля в работата му, а други предмети се появяват само като подчинени или се обработват изключително за декоративни цели.

Думата скулптура, освен самия вид изкуство, обозначава и всяко отделно произведение на изкуството.

Видова специфика на скулптурата

Скулптурата е пространствено визуално изкуство, което изследва света в пластични изображения.

Основните материали, използвани в скулптурата, са камък, бронз, мрамор и дърво. На съвременния етап от развитието на обществото и технологичния прогрес броят на материалите, използвани за създаване на скулптура, се разшири: стомана, пластмаса, бетон и др.

Има два основни вида скулптура: триизмерна (кръгла) и релефна:

висок релеф - висок релеф,
барелеф - нисък релеф,
контрарелеф - вдлъбнат релеф.

По дефиниция скулптурата може да бъде монументална, декоративна и стативна.

Монументален - използва се за украса на градски улици и площади, отбелязване на исторически важни места, събития и др. Отличава се със значимост на идеите си, висока степен на обобщеност и големи размери. Монументалната скулптура включва:

паметници,
паметници,
мемориали.

Статив - предназначен за преглед от близко разстояние и предназначен за декориране на вътрешни пространства. Независимо от средата, той има размери, близки до живота или по-малки, и специфично задълбочено съдържание.

Декоративни - използват се за украса на ежедневието (малки пластмасови предмети); включва всички видове украса на архитектурни структури и комплекси (атланти, кариатиди, фризове, фронтон, фонтан, градинска скулптура);

Други видове скулптура:

Кинетична скулптура- вид кинетично изкуство, в което се разиграват ефектите на реално движение. Ледената скулптура е художествена композиция от лед. Пясъчната скулптура е художествена композиция от пясък. Скулптурни материали – метал, камък, глина, дърво, гипс, пясък, лед и др.; методи на тяхната обработка - моделиране, резба, художествено леене, коване, щамповане и др.

Основни жанрове на скулптурата:

портрет;
исторически;
митологичен;
домашни;
символичен;
алегоричен;
животински.

Един от най-старите жанрове на изкуството в скулптурата е портрет – изображение на човек или група хора, даващо представа за външния вид и вътрешния свят на портретуваното лице. В този жанр има определени обобщения: портрет на характера, показващ естествените свойства на човек; типов портрет, който характеризира определен тип хора; портрет на настроението, който дава емоционална характеристика на човек; портрет-символ. Портретът в скулптурата се разделя на следните форми: глава, бюст, полуфигура, полуфигура, фигура. Бюст (фр. buste, от италиански busto - торс, туловище) е бюстообразно изображение на човек в кръгла скулптура. Появявайки се в Древен Египет и Древна Гърция, бюстът получава ярко развитие в изкуството на Древен Рим и е широко разпространен в изкуството на Ренесанса, 17-20 век. (Донатело, Л. Бернини, Гудон, Ф. И. Шубин, В. И. Мухина).

Скулптура битов жанр показва хора в познатата им среда, ангажирани с редовни дейности. Скулптурата от този жанр може да бъде малка или средна по размер. Творбите могат да бъдат еднофигурни и многофигурни. Произведенията на битови теми съществуват от древни времена, близки са до народното изкуство и са популярни в малката пластика.

Скулптурни произведения, свързани с тематична композиция , може да показва една фигура или няколко. Най-често фигурата се изобразява в близък план и това голямо по размери произведение на кръгла скулптура, изобразяващо човешка фигура в цял ръст, се нарича статуя (лат. statua). За многофигурна композиция е важно да се изгради група, в която всяка фигура е в съответствие с останалите, без да губи собствената си роля. (Мирон Атина и Марсий; Микеланджело Пиета, 1498–1501, Рим, Св. Петра; А. Майол Три нимфи).

Жанрът на скулптурата, посветен на изобразяването на животни, се нарича животински жанр (от лат. animal - животно). Анималистът се обръща към художествените характеристики на животното, неговите навици. Изразителността на фигурата, силуета и колорита са особено важни в парковата скулптура и малката пластика. Често в скулптурата присъстват както животни, така и хора. Скулпторите са изобразявали животни още от първобитната комунална система; те са широко разпространени в изкуството на Древен Египет, в древната скулптура и в следващите епохи.

Характеристики на художествения език на скулптурата

Художествени и изразителни средства на скулптурата:

изграждане на обемна форма;
пластично изграждане на модела (скулптуриране);
развитие на силуета;
развитие на текстура (в някои случаи и цвят).

Методът за получаване на скулптура зависи от материала:

пластмаса - увеличаване на обема на скулптура чрез добавяне на мек материал (глина, восък)
скулптуриране - изрязване на излишни части от плътен материал (камък и други материали)
леене - произведение се създава чрез изливане на разтопен метал (бронз, например) в калъп

По отношение на материала и метода на изпълнение на изображението скулптурата в широкия смисъл на думата се разделя на няколко клона: моделиране или моделиране - изкуството за работа с меки материали, като восък и глина; леярство или торевтика - създаване на релефни произведения от метал чрез щамповане, щамповане или леене; глиптика - изкуството на резба върху скъпоценни камъни; Клоновете на скулптурата включват произведения от камък, дърво, метал и твърди вещества като цяло; освен това, производството на печати за монети и медали (медально изкуство).

Сложната и многоетапна технология на скулптурата включва много физически труд. Използват се различни технически методи – моделиране, резба, дърворезба, леене, релефно щамповане, коване, заваряване, използват се разнообразни материали – камък, метал, дърво, глина, гипс, керамика, стъкло, пластилин, восък, синтетични полимерни съединения. В допълнение към оригиналната работа на художника (моделиране, дърворезба, обработка на твърди материали), важна роля в скулптурата играе спомагателната работа на майстори (рязане на камък, формоване, леене, преследване и др.).

Що се отнася до техниката на скулптурата, нейните видове могат да бъдат групирани според различни принципи. Според един принцип скулптурните техники могат да бъдат разделени на следните три групи:

Когато ръката на художника завърши цялата работа (обработка на глина, камък, дърво).
Когато работата на художника завършва с огън (керамика).
Когато художникът дава само модел на бъдещата статуя (отлята от бронз).

Според друг принцип скулптурната техника попада в три, но различни основни групи:

Моделирането в меки материали (восък, глина) е техника, която наричаме „пластика” в тесен смисъл.
Обработка на твърди материали (дърво, камък, слонова кост), или „скулптура” в истинския смисъл на думата.
Леене и щамповане в метал.

Основните проблеми на скулптурата

Техническите проблеми на скулптурата включват много важен проблемът с пиедестала, основата, монтажа на статуята.Във всички епохи един от най-важните проблеми, пред които е изправен скулпторът, е да изчисли формата и размера на пиедестала и да координира статуята и пиедестала с ландшафта и архитектурната обстановка. Пиедесталът също е важен, тъй като върху него обикновено са отбелязани всички основни данни, свързани с темата на статуята и времето на нейното изпълнение. Гръцките скулптори обикновено отбелязват името на автора на статуята на пиедестала.

Пиедесталите могат да бъдат безкрайно разнообразни по своите форми и размери, по характера на профилирането и пропорциите си. Много тук зависи, разбира се, от естеството на статуята: колкото по-голяма е статуята, толкова по-масивен трябва да бъде пиедесталът; напротив, една малка статуя може изобщо да мине без пиедестал - малка плоча е достатъчна за стабилност (заслужава да се споменат особените пиедестали под формата на патерици, които са били използвани за малки фигурки на остров Крит в епохата на егейската култура). За стоящи статуи е желателен вертикален пиедестал, за лежащи - хоризонтален, нисък; на пиедестал, който е твърде голям, статуята губи значение; на пиедестал, който е твърде малък, тя губи стабилност.

В Древна Гърция като цяло са били предпочитани не много високи пиедестали: през 5 век височината на пиедестала обикновено не надвишава нивото на гърдите на средния ръст на зрителя; през 4 век пиедесталите най-често имат стъпаловидна форма, съставена от няколко хоризонтални плочи. В елинистическата епоха пиедесталите стават малко по-високи - до един и половина до два метра височина. Но дори и в класическата епоха има много високи пиедестали, ако специфичният характер на статуята изисква това: например „Нике“ (богинята на победата)
Скулпторът Пеония стоеше пред храма на Зевс в Олимпия, сякаш летящ от небето, върху тесен, триъгълен постамент, висок девет метра. Ранният Ренесанс се характеризира с конни статуи, стоящи на високи пиедестали по такъв начин, че тъмен силует се издига на фона на небето. Напротив, в епохата на барока, в китайската и японската скулптура (отчасти при Роден), ще открием ниски пиедестали, които подчертават връзката на статуята със заобикалящата я среда и по-голям контакт със зрителя.

Най-общо може да се твърди, че пиедесталът изпълнява две основни, но противоречиви функции и в зависимост от това коя от тях преобладава, характерът, пропорциите и формите на пиедестала се променят. От една страна, задачата на пиедестала е да отдели статуята от реалния свят, да я отграничи от ежедневието, да я издигне в някаква по-висока сфера. В този случай пиедесталът има абстрактни, чисто тектонични черти, а реалистични детайли, като връх на наметало или тога, висящи от пиедестала, са противопоказни. Понякога, за да се изолира статуя от заобикалящата я среда, се използва контраст в материала, използван в статуята и в пиедестала (например бронзова статуя върху гранитен пиедестал). В ранните етапи от развитието на скулптурата тектоничната природа на пиедестала и неговите изолиращи функции понякога са много рязко подчертани - понякога пиедесталите са толкова високи, че статуите се превръщат в придатък към пиедестала, завършвайки го
украса (като например гръцките архаични сфинксове или т.нар. stambas - свещени стълбове в Индия на местата, където Буда се скиташе с думите си). В скулптурата на готическата епоха, а по-късно и в немската скулптура, срещаме друг вариант за потискане на статуя с пиедестал, когато пиедесталът се превръща в цяла многоетажна сграда, а статуите се оказват толкова малки и има толкова много от тях, че стават, така да се каже, само декорации и се губят в сложната архитектура на пиедестала (пример е „Ракът на Св. Себалд“ от Петер Фишер в Нюрнберг, 1519 г.). В епохата на барока, напротив, хармонията между статуя и пиедестал често се нарушава от статуята, която е твърде голяма в сравнение с пиедестала, твърде независима в своята изразителна динамика и поради това подчинява пиедестала на себе си, превръщайки го в арена на неговата дейност („Персей“ от Б. Челини, паметник на великия курфюрст на Берлин А. Шлутер).

Най-хармонично решение на проблема с тектоничния пиедестал и изолацията на статуята дава Ренесансът. Поучително е да се сравнят две конни статуи в този смисъл. Бронзовата статуя на Гатамелата е направена от Донатело през 1453 г. и стои в Падуа. Има висок пиедестал, благодарение на който статуята се откроява ясно на фона на небето. За да се подчертае и изолира статуята, между нея и тъмния пиедестал е поставена светла мраморна плоча. Пиедесталът има строго тектонична форма, не отвлича вниманието от статуята, а й придава спокойствие
основата и подчертава нейната композиция (обърнете внимание на заобленото тяло на коня и заоблените форми на пиедестала; разделянето на пиедестала е съобразено с позицията на краката на коня; тялото на ездача подчертава основната ос, която се повтаря в релефа и вратите на пиедестала).

Терминология

Пластмасов материал- скулптурна глина, пластилин, пластична маса за моделиране.

Пласт- плоскост и пластмаса с определена дебелина от подготвената предна част на повърхността.

Шпакловка- инструмент, използван при строителни довършителни работи.

Купчини- пластмасови, дървени, пластинкови инструменти за създаване на пластични форми и композиции.

Пластмасова моделна маса- пластичен материал, който при втвърдяване придобива достатъчна здравина.

приплъзване- емулсия от вода и пластичен материал (скулптурна глина, пластична маса) - използва се за залепване на части и повърхности.

Акцент- техника за подчертаване със светлина, линия, в скулптурата, местоположението в пространството на обект, на който трябва да се обърне внимание.

Цяло лице- буквално "в лицето" с лице към зрителя, изображението на лицето е точно отпред.

Барелеф- релеф с по-изпъкнало изображение върху равнината.

Бюст- изображение на човек от гърдите до гърдите.

Хармония- връзка, хармония, съзвучие, пропорционалност. Хармоничното съгласуване на частите на едно цяло. В изобразителното изкуство хармонията е координирана, пропорционална комбинация от всички елементи на едно произведение на изкуството.

Висок релеф- силно изпъкнало, почти триизмерно изображение, разположено върху плоскостта, която украсява.

Декор- украсяват. Система за художествена декорация на жилищни помещения, кабинети, декорация на различни битови предмети.

Декоративна скулптура- е част от архитектурния ансамбъл и е предназначен за украса на фасадите и интериора на архитектурни структури.

Кадър- армиращ прът, допринасящ за стабилността на скулптурата.

Кръгла скулптура- триизмерно изображение на скулптурен обект. Основните му разновидности: скулптурна композиция, статуя.

облекчение- изпъкнала скулптура, разположена върху равнина, която украсява.

Модел (в скулптурата)- оригинал, изработен от мек материал (глина, пластилин, восък), предназначен за пренасяне върху твърд материал (камък, метал).

Монументална скулптура- паметници, паметници, издигнати в чест на конкретно лице или събитие.

Пропорция- пропорционалността на всички части на произведението на изкуството, тяхното съответствие помежду си и определена връзка с цялото.

Скулптура- скулптура, пластика. Вид изобразително изкуство. Триизмерно изображение, изваяно от мек материал, издълбано от камък, издялано от дърво.

Малка пластика- произведения на дребната пластика от порцелан, фаянс, метал, камък.

Стативна скулптура- малки пластики, изработени на моделна маса.

Маса за моделиране- специална маса с въртяща се стойка за работата на скулптора.

Стек- инструмент за работа върху скулптура.

Стилизация- обобщаване на изобразяваните фигури и предмети, опростяване на рисунки и форми.

Техника- обработка, структура, моделиране. Набор от специални техники, методи и умения, използвани при изпълнението на произведение. Това са познания по инженерство и технология (т.е. материали и методи за тяхната обработка).

Текстура- в скулптурата естеството на повърхността, нейните материално осезаеми свойства, нейната обработка. Текстурата е важен елемент от художествената форма.

Скица- подготвителна скица за по-голяма работа. Изпълнението на скулптурата е предшествано от поредица от скици и етюди, в които се развива общата пластичност на бъдещата творба.

Етюд- работа, извършена от живота. Има самостоятелно значение. Това е упражнение, при което се подобряват професионалните умения. С помощта на скица се конкретизира замисълът на произведението, първоначално предаден по-общо и разгърнат в детайли.

Литри

Одноралов, Н. В. Скулптура и скулптурни материали [Текст]. Надбавка за тънки. Университети / Н. В. Одноралов. - М.: 1982 г.
Полякова, Н. И. Скулптура и пространство [Текст]. Учебник / Н. И. Полякова. - М.: Сов. Художник, 1982 г.
Светлов, И. Е. За съвременната скулптура [Текст]. Учебник / I. E. - M.: Sov. Художник, 1982 г.
И. Ланг. Скулптура. Енциклопедия на художника
Скулптура. – М.: Творчество, 1982.

Във връзка с

Подобно на другите видове изобразително изкуство, скулптурата мени своя характер в зависимост от предназначението си. Според предназначението си се разделя на стативен и монументален.

Монументална скулптура– предназначени за конкретна архитектурно-пространствена или природна среда и адресирани към маси от зрители, поставяни предимно на обществени места – по улиците и площадите на града, в парковете, по фасадите и интериорите на обществени сгради. Той е предназначен да конкретизира архитектурния образ, допълва изразителността на архитектурните форми с нови нюанси, способен е да решава големи идеологически и фигуративни проблеми, което се разкрива с особена пълнота в градските паметници, паметници, мемориални структури, които обикновено се характеризират с величие на формите и издръжливост на материала, извисеност на образната структура, широта на обобщението.

Стативна скулптура– несвързани с архитектурата. Има по-интимен характер и обикновено се поставя в изложбени зали, музеи и жилищни интериори. Това определя особеностите на пластичния език на скулптурата, нейните размери и любимите жанрове (портрет, битов жанр, голо тяло, анималистичен жанр). Станковата скулптура в по-голяма степен от монументалната скулптура се характеризира с интерес към вътрешния свят на човека, фин психологизъм и разказ.

Специален вид стативна скулптура е малка пластика, малки фигурки, най-често допълващи декорацията на жилищни помещения.

Скулптурата на малките форми включва широк спектър от продукции, предназначени предимно за жилищни интериори и в много отношения е тясно свързана с декоративните и приложни изкуства. Малката скулптура също включва произведения на медальорното изкуство и глиптика.

11. Художествени средства в скулптурата.

Пластмаса- яркото изразяване на обемни форми и маси в скулптурата, тяхната пълнота, ритмичната им комбинация, тяхната цялост, специалната хармония на връзката на формите, тяхното единство, сцепление. Всички ефекти на скулптурата върху зрителя се основават на пластмаса, тъй като те са свързани с визуалната тактилност на формите

Състав- средство за художествено изразяване. Особеността на композицията в скулптурата е, че тя най-активно включва околното реално пространство във фигуративната структура. Когато композира скулптура, художникът трябва да вземе предвид и възможността да я гледа от различни гледни точки. Човешкото око не може веднага да улови триизмерен обем; изображението на скулптурата се формира в резултат на последователна смяна на аспектите.

рисуване– за рисунката в скулптурата можем да говорим условно. Окото възприема границата между обемната форма и околното пространство като линейните очертания на фигурата, като видим контур, различен от всяка отделна гледна точка. Изразителността на този контур, общият силует на фигурите, се взема предвид от скулптора и се включва в структурата на изображението.

Материали и техники на обработка– е от голямо значение. Изборът на конкретен материал и естеството на неговата обработка се диктува от образното значение, идеята и целта на произведението на изкуството, както и от неговото предназначение. Монументалната скулптура, предназначена да запази паметта на хората за дълго време, е направена от трайни „вечни“ материали: твърд камък, бронз, стомана, бетон. В стативната скулптура наред с камъка и метала се използват дърво, печена глина и гипс. В скулптурата се използват следните твърди скали: гранит, обсидиан, диорит, базалт, порфир; както и по-меки материали: алабастър, варовик, мрамор, пясъчник. Използват се малки пластики: чугун, бронз, скъпоценни камъни, стъкло, различни видове керамика, фаянс, порцелан, теракота, дърво, слонова кост, пластмаси.

Светлина– За разлика от художника и графика, скулпторът не изобразява светлината, а задължително се съобразява с осветлението и го използва. Когато създава скулптура, скулпторът взема предвид определен източник на светлина, неговата сила, посока и ъгъл на падане. Променящото се осветление създава игра на светлосенка върху изпъкналостите и вдлъбнатините на пластмасовите форми. Художникът изчислява различни светлинни ефекти, използвайки ги за решаване на художествени образни задачи.

Цвят– оказва емоционално въздействие върху възприемането на образа на скулптурата. В сравнение с живописта, скулпторите използват полихромия по-сдържано. Но цветът задължително участва в художественото впечатление на една скулптура. Всеки материал има свой собствен тон: червен или сив гранит, зелен базалт, черен диорит, син и жълтеникав мрамор, бронзът има зеленикава и кафява патина. В допълнение към едноцветните скулптури има и полихромни, създадени от различни цветни материали, съчетаващи например злато и слонова кост, включително инкрустации от цветни камъни, стъкло и метал.

В допълнение към използването на многоцветни материали се използват и техниките за тониране на скулптура (покриване на камък или дърво с тънък прозрачен едноцветен тон) и боядисване в няколко тона. Скулптурите от теракота, гипс и дърво са изцяло боядисани. Статуите от мрамор и бронз понякога са били частично боядисани.

(изпъкналата фигура излиза по-малко от половината);

висок релеф (изпъкналата фигура излиза наполовина);

контрарелеф (фигурата не е изпъкнала, а напротив, вдлъбната)

В зависимост от предназначението си скулптурата се разделя на:

монументална скулптура (паметници, монументи), свързана с архитектурната среда. Отличава се със значимост на идеите си, висока степен на обобщеност и големи размери;
монументално-декоративната скулптура включва всички видове украса на архитектурни структури и комплекси (атланти, кариатиди, фризове, фронтон, фонтан, градинска скулптура);
стативната скулптура, независима от средата, има размери, близки до живота или по-малки, и специфично задълбочено съдържание. Проектиран за гледане отблизо.

Методът за получаване на скулптура зависи от материала:

пластмаса - увеличаване на обема на скулптура чрез добавяне на мек материал (глина, восък)
скулптуриране - изрязване на излишни части от плътен материал (камък и други материали)
леене - произведение се създава чрез изливане на разтопен метал (бронз, например) в калъп

Малка пластика

Височината и дължината на произведението могат да се увеличат до 80 сантиметра и метър. Може да се копира индустриално, което не е типично за стативната скулптура. Декоративно-приложното изкуство и скулптурата на малките форми образуват симбиоза помежду си, подобно на архитектурата на сграда с кръгла скулптура, която я украсява, съставлявайки единен ансамбъл. Скулптурата на малките форми се развива в две посоки - като изкуство на масови обекти и като изкуство на уникални, индивидуални произведения. Жанрове и направления на малката пластика - портрет, жанрови композиции, натюрморт, пейзаж. Малки, пространствено-обемни форми, ландшафтен дизайн и кинетична скулптура.

Други видове скулптура

Кинетична скулптура- вид кинетично изкуство, в което се разиграват ефектите на реално движение. Ледената скулптура е художествена композиция, изработена от лед. Пясъчната скулптура е художествена композиция, изработена от пясък. Скулптурни материали – метал, камък, глина, дърво, гипс, пясък, лед и др.; методи на тяхната обработка - моделиране, резба, художествено леене, коване, щамповане и др.

Техника на изпълнение

Когато предприема каквато и да е работа, скулпторът първо прави рисунка или снимка, след това прави математическо изчисление на произведението (определя центъра на тежестта на продукта, изчислява пропорциите); след това той извайва малък модел от восък или мокра глина, който предава идеята за бъдещата му работа. Понякога, особено когато планираната скулптура трябва да е голяма и сложна, художникът трябва да направи друг, по-голям и по-детайлен модел. След това, ръководен от оформлението или модела, той започва да работи върху самата работа. Ако трябва да се направи статуя, тогава за крака се взема дъска и върху нея се монтира стоманена рамка, огъната и монтирана по такъв начин, че нито една част от нея да не излиза извън границите на бъдещата фигура и самата нея служи като вид скелет за него; освен това, на местата, където тялото на фигурата трябва да има значителна дебелина, дървените кръстове са прикрепени към рамката със стоманена тел; в същите части на фигурата, които стърчат във въздуха, например в пръстите, косата, висящите гънки на дрехите, дървените кръстове се заменят с усукана тел или коноп, напоени с масло и навити под формата на нишки. Чрез поставяне на такава рамка на статуя на триножник, стационарна или хоризонтално въртяща се машина т.нар кобиличка, художникът започва да покрива рамката с формована глина, така че да се получи фигура, в общи линии подобна на модела; след това, премахвайки прекомерно нанесената глина на едно място, добавяйки нейния дефицит на друго и завършвайки фигурата част по част, той постепенно я довежда до желаното подобие на природата. За тази работа той използва палмови или стоманени инструменти с различни форми, наречени стекове, но още повече пръстите на собствените си ръце. По време на цялото продължаване на скулптурата е необходимо, за да се избегне появата на пукнатини в изсъхващата глина, постоянно да се поддържа нейната влажност и за това от време на време да се навлажнява или поръсва фигурата с вода и, прекъсвайки работата до следващия ден го увийте в мокро платно. Подобни техники се използват и при изработката на релефи със значителни размери - с единствената разлика, че за укрепване на глината, вместо рамка, се използват големи стоманени пирони и болтове, забити в дъска или плитка кутия, която служи за основата на релефа. След като е завършил напълно моделирането, скулпторът се грижи да направи точна снимка на творбата си от материал, по-здрав от глина, като за целта прибягва до помощта на формовчик. Това последното премахва от глинения оригинал т.нар черна униформа (á creux perdu) от алабастър, а върху него е отлята гипсова отливка на произведението. Ако художникът желае да има отливка не в един, а в няколко екземпляра, то те се отливат по т.нар. чиста форма (à bon creux), чието производство е много по-сложно от предишното (виж Формоване).

Без предварително скулптуриране на глинения оригинал и отливане на гипсовата му отливка, създаването на нито едно повече или по-малко голямо скулптурно произведение не е завършено - независимо дали е камък или метал. Вярно, имаше скулптори, като Микеланджело, които работеха директно от мрамор; но подражанието на техния пример изисква от художника изключителен технически опит и въпреки това, с такава смела работа, той рискува да изпадне в непоправими грешки на всяка стъпка.

С получаването на гипсова отливка съществена част от художествената задача на скулптора може да се счита за изпълнена: остава само да възпроизведе отливката, в зависимост от желанието, в камък (мрамор, пясъчник, вулканичен туф и др.) или в метал (бронз, цинк, стомана и др.), което вече е полузанаятчийска работа. Когато се прави мраморна и каменна скулптура като цяло, повърхността на гипсовия оригинал се покрива с цяла мрежа от точки, които с помощта на пергел, отвес и линийка се повтарят върху блока за довършване. Водени от тази пунктуация, асистентите на художника, под негов надзор, премахват ненужните части от блока с помощта на нож, длето и чук; в някои случаи използват т.нар пунктирана рамка, в които взаимно пресичащи се нишки показват онези части, които трябва да бъдат отбити. Така от грубия блок малко по малко се появява общата форма на статуята; тя се изтънява и изтънява под ръцете на опитни работници, докато накрая самият художник не я завършва, а полирането с пемза придава на различни части от повърхността на произведението възможна прилика с това, което самата природа представлява в това отношение. За да се доближат оптически до него, древните гърци и римляни са натривали мраморните си скулптури с восък и дори леко ги боядисвали и позлатявали (виж Полихромия).

Използване на материали

бронз

Най-важният материал за скулптури, наред с мрамора, е бронзът; мраморът е най-подходящ за възпроизвеждане на деликатни, идеални, предимно женствени форми; бронз - за предаване на смели, енергични форми. Освен това, това е особено удобно вещество в случаите, когато произведението е колосално или изобразява силно движение: фигури, оживени от такова движение, когато са изпълнени в бронз, не се нуждаят от опори за крака, ръце и други части, които са необходими в подобни издълбани фигури изработени от крехък камък. И накрая, за произведения, предназначени да стоят на открито, особено в северен климат, бронзът е предпочитан, защото не само не се разваля от атмосферните влияния, но поради окисляването си също така получава, в резултат на окисляването си, зеленикав или тъмно покритие по повърхността му, което е приятно за окото, т.нар патина. Бронзова статуя се прави или чрез изливане на разтопен метал в предварително подготвена форма, или чрез изчукване с чук от метални плочи.

Един от методите за производство на бронзови скулптури е методът на леене на кух бронз. Неговата тайна е в това, че първоначалната форма на фигурката се изработва от восък, след което се нанася слой глина и восъкът се разтопява. И едва тогава металът се излива. Леенето на бронз е общото наименование на целия този процес.

Що се отнася до работата с нокаут (така наречената работа repoussè), тогава се състои в следното: взема се лист метал, омекотява се чрез нагряване на огън и, удряйки вътрешността на листа с чук, му се придава необходимата изпъкналост, първо в груба форма, и след това, с постепенно продължаване на същата работа, с всички подробности, според съществуващия модел. Тази техника, за която художникът трябва да има специална сръчност и дългогодишен опит, се използва главно при изпълнение на барелефи с не особено големи размери; при изработването на големи и сложни произведения, статуи, групи и високи релефи, към момента се прибягва само когато е необходимо те да имат относително леко тегло. В тези случаи работата се избива на части, които след това се свързват с винтове и крепежни елементи в едно цяло. От 19-ти век насам работата с избиване и леенето са заменени в много случаи от отлагането на метал във форми чрез електроформоване.

Дърво

История

Древен свят

Първите прояви на художествено творчество в областта на скулптурата са скрити в мрака на праисторическите времена; няма съмнение обаче, че те са били причинени, както впоследствие са били причинени от млади племена, от нуждата на човек, който все още не е излязъл от диво състояние, да изрази със сетивен знак идеята за божество или за запазване на паметта на скъпи хора. За тази причина загатва поетичната легенда на древните гърци за изобретяването на пластичните изкуства – легенда, според която Кора, дъщеря на коринтянин Утада, искайки да запази образа му като сувенир при раздяла с любовника си, тя очерта очертанията на главата му по сянката, хвърлена от слънцето, а баща й запълни този силует с глина. Какви са били първоначалните опити в скулптурата в праисторическата епоха? Това са прости колони с бледи, чудовищни намеци на човешки лица и крайници. Историята на скулптурата започва около тридесет века пр.н.е. д., от най-стария от културните народи на древния свят, египтяните.

Древен Египет

Скулптурата на Египет през целия си исторически живот остава неразделен спътник на архитектурата, подчинявайки се на нейните принципи и служейки за украса на нейните сгради със статуи на богове, царе, фантастични същества и пластични рисунки, съответстващи на предназначението на сградата. В началото (в периода на Мемфис), под влияние на популярните представи за задгробния живот, тя проявява силна склонност към реализъм (портретни статуи в мастаби и погребални пещери, статуята на фараона Хефрен и „Шейх ел Белед“ от Кайро Египетски музей, „Писар“ на Лувъра и др.), но след това замръзнаха в конвенционални, веднъж установени форми, които почти не бяха подложени на промяна до падането на египетското царство. Удивително търпение и сръчност при преодоляване на технически трудности при обработката на такива твърди материали като диорит, базалт и гранит, характерното възпроизвеждане на племенния тип, величието, постигнато чрез колосалност и придаващо на строго пропорционалните фигури симетрия на формата и тържествено спокойствие - това са отличителните качества на египетските статуи от периодите на Тива и Саис, които обаче страдат от липса на изразяване на индивидуален характер и реален живот (огромни фигури на Рамзес II в Абу Симбел, статуи на Мемнон и др.). Когато изобразяват богове, египетските скулптори много умело съчетават човешки форми с форми на животинския свят, но още по-умело възпроизвеждат животински фигури (двойка лъвове на стълбите на Капитолия в Рим). Релефи, боядисани в различни цветове, покриваха в изобилие стените на египетските сгради като килими, изобразяващи подвизите на фараоните и паметни събития от руската история - в храмове и дворци, епизоди от ежедневието и почитане на боговете - в погребални съоръжения. Методът на изпълнение на тези релефи беше специален: фигурите в тях или леко изпъкнаха върху вдлъбнат фон (плоско-изпъкнали релефи, койланаглифи), или, напротив, отиде малко по-дълбоко във фона (плоско-вдлъбнати релефи). Липсата на перспектива, условността на композицията и дизайна и други недостатъци не пречат на тези изображения да бъдат подробен разказ за живота, вярванията и историята на хората до най-малкия детайл.

Месопотамия

След това, от първите векове след дорийското нашествие в Пелопонес, не са оцелели надеждни източници на информация и паметници, но от края на 7 век пр.н.е. д. Появяват се доказателства за широката художествена дейност на гърците, насочена предимно към производството на луксозни олтарни дарове за храмове, съдове за вино и други домакински съдове. Производството им е извършено специално от майстори на Самия и Хиос, които са постигнали голям успех в техниките за обработка на метала.

Умението за възпроизвеждане на формите на човешкото тяло също нараства, особено в персонификациите на богове и герои. Преди това боговете са били изобразявани под формата на груби дървени идоли (т.нар xoans), със сковани, понякога едва забележими и неотделени от тялото членове. Тогава статуите станаха по-оживени и телата им бяха направени от дърво, а главите и ръцете им бяха направени от мрамор (такива статуи се наричат акролити). Появяват се и първите опити в хризоелефантиновата пластика. Мраморът и бронзът постепенно се разпространяват широко: бронзът първоначално в йонийските и малоазийските градове, мраморът в други гръцки градове.

Процесът на създаване на статуи, издигнати в чест на победители в гимнастически състезания и представляващи не скулптурен портрет, а идеализирани фигури, принуждава гръцките скулптори внимателно да изучават голото човешко тяло. Навсякъде, в Егина, в Аргос, Сикион, Атина и други места, възникват скулптурни школи, а сред скулпторите Дипоен и Сцилис са известни Калон, Онат, Агелад и някои други.

VI-V век пр.н.е д.

6 век и началото на 5 - гръцката скулптура губи източното си влияние и започва да се развива самостоятелно. Най-важните паметници от тази епоха включват метопите на най-стария от селинунтийските храмове в Сицилия, фронтонните групи на храма на Атина в Егина, съхранявани в Мюнхенската глиптотека и изобразяващи сцени от борбата на гърците с троянците.

Друг велик майстор от същата школа, Праксител, обичаше, като Скопас, да изобразява дълбоки усещания и движения, причинени от страст, въпреки че той беше най-добър в идеално красиви младежки и полудетски фигури с нотка на едва събудена или все още скрита страст (Аполон , Сауроктон, Афродита от Книд, Хермес с бебето Дионис на ръце, намерени в Олимпия и др.).

За разлика от идеалистичните атински майстори, скулпторите от пелопонеската школа от същата епоха в Аргос и Сикион работят в натуралистичен дух, създавайки предимно силни и красиви мъжки фигури, както и портрети на известни личности. Сред тези художници беше Лизипос, бронзов скулптор, съвременник и любимец на Александър Велики, който стана известен с портретните си изображения, който създаде нов канон на пропорциите на човешкото тяло със своята статуя на атлета на Апоксиомен (т.е. от праха на палестрата) и който между другото създава типичния образ на Херкулес.

В последния период от независимото съществуване на гръцкия народ, от епохата на Александър Велики до завладяването на Гърция от римляните, се наблюдава спад в творчеството на скулпторите. Те не губят нито знанията, нито техническите умения, наследени от предишни скулптори, те дори довеждат това умение до по-голяма финес, но въвеждат значително нови елементи в изкуството, не отварят нови насоки за него, а само повтарят, комбинират и видоизменят старият, който се грижи само за възпроизвеждане на впечатлението на зрителя от колосалния размер на творбите си и живописността на сложното групиране на фигури, а творбите често се характеризират с преувеличен патос и театралност.

По това време родоската и пергамската скулптурни школи процъфтяват: първата принадлежи към известната група на Лаокоон (във Ватиканския музей, дело на Агесандър и неговите синове Атенодор и Полидор) и „Фарнезешки бик“ от музея в Неапол ( дело на Аполоний и Таврискус); вторият - „Умиращият Гал“ от Капитолийските музеи, „Промушващият Гал“ от Вила Лудовизи (Италиански)Рускии великолепният релефен фриз на монументалния Пергамски олтар (намиращ се в Пергамския музей в Берлин).

Древен Рим

В тази последна фаза от своето развитие изкуството на гръцката скулптура преминава към римляните. Хората, призвани да развиват основите на държавния живот и да доминират в икумената, първоначално нямат време за изкуство и естетически удоволствия; Затова отначало той се задоволява с това, което е получил по отношение на изкуството от етруските и това, което произвеждат местните занаятчии, които те обучават. Етруското изкуство отразява първо източното, а след това и гръцкото влияние; но това изкуство е запазило завинаги част от своята примитивна сухота и грубост, въпреки че технически е постигнало значителни успехи - развило е техники за изработване на теракотени фигури и релефи и отливане на различни предмети от бронз; Преди всичко той беше известен със своите занаяти от художествен и промишлен характер. След като Гърция пада и творбите на нейните скулптори масово се пренасят в Рим, където освен това започват да се стичат неговите художници, съвсем естествено е елинското съвършено изкуство да измести посредственото изкуство на Етрурия от вечния град. Гръцките майстори започват да работят за римляните и намират сред тях ученици и подражатели. Въпреки това произведенията, излезли по това време както от гръцки, така и от римски ръце, са в по-голямата си част само от второстепенно значение: те са повече или по-малко сполучливи копия на известни творения на гръцката скулптура или техни имитации. Като най-добри от такива произведения могат да се посочат статуите на Венера Медикийска, Венера Капитолийска, Ватиканската Ариадна, Аполон от Белведере и други. Римските скулптори обаче не се ограничават до ролята на прости имитатори: без да се грижат малко за идеализацията, те се опитват да предадат природата с точност и сила. Това е естеството на техните исторически статуи и бюстове, които пълнят съвременните музеи (например статуите на Август във Ватикана, Марк Аврелий и Агрипина в Капитолийските музеи). Същото желание е отразено в скулптурите, с които римляните украсяват обществени паметници, за да увековечат славните събития от руската история, подвизи и победи, които разшириха управлението на Рим до далечни граници (релефи върху триумфалните арки на Тит, Септимий Север, Марк Аврелий , върху колоните на Траян, Антонин и Константин).

Едва ли е имало друг народ, който да е харчил толкова много мрамор за скулптура, както римляните; но резултатът от тяхната работа често се оказваше твърде посредствен, а самите те, бързайки да умножат произведенията си, очевидно обръщаха повече внимание на тяхното количество, отколкото на тяхното качество, което бързо намаляваше и в епохата на Константин Велики падна много ниско.

Това е ситуацията, в която християнството намира скулптурата, победила езичеството. Новата религия не създава благоприятни условия за развитието на този клон на изкуството: пластичните образи и форми изглеждат на първите християни твърде материални, твърде чувствени и освен това опасни от гледна точка, че могат да върнат вярващите към езическото. култ. Следователно в първите векове на християнството скулптурата, отстъпила своето предимство на живописта и мозайката, играе само второстепенна роля, използвайки се предимно за декоративни цели.

Скулптура на Черна Африка

Мезоамериканска скулптура

Средна възраст

Най-важните паметници, достигнали до нас от това време, са саркофазите с релефи, които символично олицетворяват нов мироглед или възпроизвеждат библейски сцени. Въпреки това са запазени няколко древни християнски статуи (бронзова статуя на св. Петър в катедралата на Петър в Рим, мраморни статуи на св. Иполит в Латеранския музей). На външен вид всички тези паметници се различават малко от късноезическите; техническото им изпълнение е много слабо, но в тях се усеща полъхът на нови идеи и искрена вяра.

В мрачните времена на ранното средновековие скулптурата е в пълен упадък: във Византия и на Изток като цяло тя е извадена от употреба за големи предприятия и произвежда само малки неща, като диптихи от слонова кост, кръстове, рамки на свещени книги и икони, и на Запад, където той също трябваше да задоволява почти изключително нуждите на религиозния култ, вегетиращ върху основата на неясни, изчезнали древни легенди.

По време на романския период в историята на изкуството могат да се посочат няколко интересни явления. Такива са бронзовите врати на катедралата в Хилдесхайм през 11 век - дело на изкусния леяр епископ Бернвалд, през 12 век - големият купел в църквата Св. Вартоломей в Лютих, колосалният релеф Exter върху каменна стена във Вестфалия и пластичните декорации на катедралите в Бурж и Шартр във Франция; през 13 век - т. нар. Златна порта във Фрайберг, шрифтът на Бернската катедрала и др.

Първите опити за съживяване на изкуството чрез пряко наблюдение на природата и изучаване на антиките са направени в Саксония и още по-успешно в Италия, където Николо Пизано в средата на 13 век веднага издига скулптурата на значителна висота (амвоните на баптистерия в Пиза и катедралата в Сиена, фонтана пред кметството в Перуджа). Последвалото господство на готическия архитектурен стил отвори по-широко поле за дейност на скулптурата: за украса на сложните фасади, кули, стени и всички части на храмове от този стил беше необходима силната помощ на пластичните изкуства и тя ги надари с множество резбовани декорации, релефи и статуи, и ги изпълнява в духа на самата готика – мистична и мечтателна. Произведения от този вид се появяват първо във Франция (скулптури на Реймс, Париж, Амиен и други катедрали), а след това и в Германия (скулптури на църквата на Дева Мария в Трир, Бамберг, Наумбург, Страсбург и други катедрали). Във втората от тези страни, в началото на 15 век, каменните скулптури на човешки фигури вече се отличават със значителна красота и хармония, а драперията им е живописна и смислена в подредбата, както може да се заключи от статуите на Кьолнската катедрала. По-нататъшното движение на немското пластично изкуство клони към още по-жива, индивидуализираща посока, която в много отношения предвещава стила на Ренесанса. Адам-Крафт (ок. 1500 г.) и леярът Петер-Фишер, и двамата от Нюрнберг, трябва да се считат за представители на тази тенденция. Наред със скулптурата в камък и метал значителен напредък бележи и немската дърворезба, която през разглеждания период е много търсена, а именно олтарна и друга църковна украса. Най-известните майстори на дърворезба през 16 век са нюрнбергците Вейт Щос и Ханс Брюгеман и тиролецът Михаел Пахер.

Възраждане

Италия

За разлика от северните страни, в Италия скулптурата от готическия период се развива независимо от архитектурата. Успехите си там дължат главно на сина на гореспоменатия Николо Пизано, Джовани (катедрата в църквата Св. Андрей в Пистоя, надгробната плоча на папа Бенедикт XI в Перуджа, релефи за амвона на Баптистерия в Пиза). Редица други тоскански скулптори, негови преки ученици или имитатори, се присъединиха към посоката на този художник, от които най-известните са: Джото, Андреа Пизано и Орканя. Благодарение на усилията на тези и други майстори италианското изкуство изхвърля последните останки от средновековна сухота и условност и в началото на 15в. навлиза в нов свободен път - пътя на индивидуалното творчество, оживената изразителност, дълбокото разбиране на природата, съчетано с критично изследване на антиките. С една дума идва Ренесансът.

Тоскана остава основният център на художествената дейност и нейните художници създават произведения, които радват не само техните съвременници, но и далечните поколения. Най-важните разпространители на новото движение са Jacopo della Quercia, наречен "della Fonte" заради отличния фонтан, който издига в Сиена; Лука дела Робиа, който си направи име особено с релефи от печена и глазирана глина, и изключително талантливия Донатело. По стъпките им върви фаланга от повече или по-малко талантливи занаятчии. По време на управлението на папа Лъв X италианската скулптура, подобно на други клонове на изкуството, достига кулминацията на своето развитие в творбите на Джан Франческо Рустичи, Андреа Контучи (Сансовино) и накрая брилянтния Микеланджело Буонароти. Но последният, с цялата огромност на таланта си и дори в резултат на това, оказа фатално влияние върху по-нататъшния ход на скулптурата: неговият мощен, но твърде индивидуален и свободен стил беше извън силата на многобройните му ученици и имитатори , от които само Джовани да Болоня и Бенвенуто изпъкват Челини и Якопо Тати; по-голямата част от скулпторите, следвайки посоката на великия флорентинец, изпаднаха в капризен произвол и в преследване на един външен ефект. Колкото по-нататък, толкова повече скулптурата губи предишната си простота и искреност, така че през 17 век в Италия в този клон на изкуството вече доминират маниерите на Лоренцо Бернини, Алесандро Алгарди и техните безброй последователи. Този стил, известен като барок, продължава и през 18 век, през който понякога се появяват произведения, които не са лишени от величие и свидетелстват за богатото въображение на техните изпълнители, но по-често такива, които са любопитни само поради своята претенциозност.

Франция

Извън Италия скулптурата, започваща от 16 век, отразява влиянието на италианската скулптура и като цяло представлява няколко значими явления. Някои от тях обаче заслужават да бъдат споменати. Такава е например основата във Франция на скулптурната школа Fontainebleblos, чиито представители, Жан Гужон, Жермен Пилон и други, оставиха много талантливи творби за потомството. Освен това не може да не споменем Пиер Пюже, Франсоа Жирардон, Антоан Коизево - френски скулптори, живели и творили в епохата на Луи XIV; но творбите им силно страдат от театралност, която през 18 век във Франция достига точката на празна, досадна афектираност.

Холандия

Сред холандските художници заслужава внимание Франс дю Кеноа, наречена от италианците il Fiammingo, който живее в Рим по времето на Бернини и въпреки това остава свободен от италианските маниери. Студентът Арт Келинус дю Кеноа е още по-наивен и по-чист във възгледа си за природата. Третият значителен холандски скулптор, Адриан де Врис, ученик на Джовани да Болоня, е известен като автор на красиво замислени и майсторски изпълнени бронзови произведения.

немски земи

Що се отнася до немския Ренесанс, той използва скулптура почти изключително за погребални паметници и за архитектурни и декоративни цели. Сред скулпторите на Германия през 18 век обаче талантливи майстори се открояват над нивото на посредствеността: Андрей Шлутер в Берлин (паметник на великия курфюрст в този град) и Рафаел Донер в Австрия (фонтан на Новия пазар в Виена).

Преход към Новото време

През втората половина на 18 век се събужда разбирането за общественото значение и достойнство на изкуството; то води, от една страна, до пряка имитация на природата, незамъглена от предубедени принципи, а от друга, до внимателно изследване на това в какво и как е изразено такова виждане за природата в художествените творения на времената на разцвет на Гърция. Силен тласък на втория от тези стремежи дава Винкелман, който в своите трудове за древното изкуство красноречиво обяснява високото им значение и проповядва пламенна любов към тях. Но почвата, подготвена от този учен, започва да дава плодове едва по-късно, след като интересът като цяло към гръцката античност се засилва и започват да се появяват публикации на нейните художествени паметници, а европейските музеи започват да се обогатяват или с истински произведения на нейната пластика, или с гипс. отливки от тях. Първите експерименти за актуализиране на скулптурата чрез връщането й към принципите на древното изкуство са направени в началото на 19 век от шведа И. Т. Зергел и италианеца Антонио Канова. Последният става особено известен по този път, въпреки че многобройните му произведения, майсторски в техническо отношение, все още не са чужди на предишния италиански маниеризъм и често изпадат във външна показност или сладникава сантименталност. Много други скоро последваха същия път като тези скулптори, предимно техни преки имитатори. Като най-добри сред тези художници трябва да се посочат французинът Шоде (статуя „Купидон и пеперуда” в Лувъра, Париж), испанецът X. Алварес (групата „Антилох защитава Нестор”, известна под името: „Защита на Сарагоса”), англичанинът Джон Флаксман и на германците Трипел (статуята „Вакха” и др.), и Данекер (известната „Ариадна върху пантерата”, в Бетман, във Франкфурт на Майн). Но никой не постигна такива блестящи резултати като датчанина Бертел Торвалдсен. Притежавайки неизчерпаема фантазия, той създава редица разнообразни произведения, замислени в чисто гръцки дух, поразяващи с чисто античното благородство на формите, но същевременно напълно оригинални, понякога възвишени, понякога наивно идилични и изящни.

Ново време

Във Франция пластичните изкуства продължават да се придържат към церемониалното придворно ръководство от епохата на Луи XIV, задълбавайки все повече и повече в афектирането. Най-добрият скулптор на това време е Жан-Батист Лемоан (1704-1778; множество бюстове и статуи на съвременни знаменитости). Негов ученик Фалконе (1716-1791), талантлив автор на паметника на Петър Велики в Санкт Петербург. Бушардон (1698-1762) и Пигал (1714-1785; статуя на маршал Мориц Саксонски в Страсбург) се опитват да работят в духа на античното изкуство. Френската школа, преди другите, отхвърли игото на абсолютния класицизъм и смело тръгна по пътя на реализма. Худон (1741-1828) въвежда по-голяма простота и жизненост във френската скулптура; известната му статуя на Волтер в Comedie Francaise (друго копие е в Императорския Ермитаж) предава с удивителна вярност външния вид и саркастичния характер на философа Ferney. Също скулптори от Първата империя, Картелие, гореспоменатия Шоде, Ф. Бозио (барелефи на колони на Вандом, конна статуя на Луи XIV на Площада на победите в Париж), Ф. Лемо (статуя на Анри IV на Пон Ньоф в Париж), J. Cortot (фронтон на Камарата на депутатите, апотеозът на Наполеон I при триумфа на звездите в Париж) и техните непосредствени ученици, правилни и елегантни, все още са студени в своите композиции; но до тях вече работят трима художници, които внасят кипящ поток от живот във френската скулптура. Това са Ф. Руд, Ж. Прадие и Ж. Давид от Анже. Първият от тях („Меркурий, който връзва крила на краката си“, „Млад неаполитански рибар“, „Орлеанската дева“, статуи в музея Лувър и особено „Доброволци през 1792 г.“, група на триумфалната порта на Звездата) приписваше изключително значение на прякото наблюдение на природата, силно и правдиво изразено движение и усещане и в същото време се отличаваше с удивителна финес на декорацията. В началото. XIX век Давид от Анже и Прадие се стремят да съчетаят древните традиции с романтизма. Талантът на Прадие беше по-външен и се проявяваше главно в грациозното третиране на формите на женското тяло, в създаването на очарователни, живи, но чувствени фигури („Лесна поезия“, „Флора“, „Грации“, „Вакха и сатир“ “, и т.н.). Силен привърженик на реализма и враг на всяка условност, Давид Анжерски се грижи не толкова за красотата на линиите и, в сложните композиции, за ясното разделение на групите, а за точните характеристики на изобразеното; неговите творби (тимпан на парижкия Пантеон, статуя на Конде във Версай, много портретни статуи, бюстове и медальони) винаги са пропити с дълбока идея и висока изразителност, която създава най-силно впечатление, тъй като е вградена във форми, пряко взети от реалността. Тези добродетели направиха Дейвид най-влиятелния от скулпторите на наскоро пенсиониралото се поколение не само във Франция, но и в Белгия. До тримата споменати лидери на френската скулптура от Новото време трябва да се постави Ф. Дюре, достоен последовател на Руд и Давид от Анже („Неаполитански импровизатор“, „Неаполитанска танцьорка“, статуя на Рахил в ролята на Федра на Френски комедиен театър в Париж), който от своя страна формира талантлив ученик на Е. Делапланш („Любовта на майката“, „Музика“, портрет на Обер). Многобройни ученици и последователи на Прадие работиха като цяло в неговия дух, понякога отивайки дори по-далеч от него в страстта към чувствеността, понякога я смекчавайки с желанието за по-чист идеал и благородна грация и непрекъснато се грижат да доведат до техническото изпълнение на своите работи до най-висока степен на съвършенство. Групата на тези художници включва: О. Курте („Фавнът и Кентавърът“, „Леда“, красив портрет на Адриен Лекуврьор в Театъра на френската комедия в Париж), А. Етекс („Каин“, „Херкулес и Антей“ и две групи при триумфалната Порта на звездата: „Съпротива” и „Мир”, К. Симар („Орест, преследван от фуриите”), Е. Гийом (група „Музика” в Новата опера, в Париж, много портрети бюстове и статуи), Идрак („Раненият” Купидон” и „Саламбо” в Люксембургския музей), Й. Б. Клезингер („Сафо”, „Ариадна с тигър”, „Пияната вакханка”) и А. Чапу („Жоанна” на Арк“ в Люксембургския музей и „Младост“ „на паметника на Реньо, в Парижкото училище за изящни изкуства). В тази реалистична посока работи обширна и непрекъснато развиваща се школа, силен тласък към която направи Давид Анжерски. Сред представителите на тази школа са Д. Фойатие (паметникът на Жана д'Арк в Орлеан, статуите на Цинцинат и Спартак в градината Тюйлери в Париж), Е. Миле ("Аполон", на върха на сградата на Гранд опера, и „Касандра” в Люксембургския музей в Париж), А. Прео (Убийство и мълчание, колосални бюстове в гробището Лашез в Париж) и А. Кариер-Белез, най-плодотворният от учениците на Давид и най-близкият до него по стил ( Мадона в парижкия център S.-Vincennes-de-Paul). От втората половина на 19в. Преобладават реалистичните и натуралистични тенденции: Бариас, Бартоломе, Карпо, Делапланш, Дюбоа, Фалтер, Фремие, Гарде, Мерсие, брилянтният Роден. Натурализмът на съвременната френска школа намери своя последен, ярък израз в произведенията на J.-B. Карло, ученик на Давид, Руд и Дюре, който е заимствал от всеки един от тях най-доброто в тях и е съчетал достойнствата им с това, което може би им е липсвало - с уникален, мощен, дори необуздан талант, близък до таланта на Микеланджело и , по същото време Рубенс („Млад неаполитански рибар“, пластични декорации на павилиона „Флора“ в Лувъра, известната група „Танц“ в Гранд Опера в Париж). Въпреки ранната смърт на този уникален майстор, той оставя дълбока следа в изкуството и формира тълпа от ученици, от които Й. Дали и графиня Колона, известна под псевдонима Марчело („Пития“ на стълбите на Гранд Опера в Париж ), са достойни за споменаване. Реализмът, преобладаващ във френската скулптура от онова време, не изключва обаче наличието на други стремежи в нея. Ръководител на класическата школа е Ф. Жуфроа през 1839 г. („Момичето, което доверява тайната си на Купидон“ в Люксембургския музей), от чиито последователи Л. Бариас („Клетвата на Спартак“ и „Моцарт настройва цигулката“) и Р. дьо Сен-Марсо („Геният, пазещ гробната тайна” в Люксембургския музей); но най-добрият от учениците на Jouffroy, A. Falguière, показва ясна склонност към реализъм („Египетска танцьорка“, „Диана“ и др.), P. Dubois и A. Mercier са вдъхновени от скулптурни паметници от времето на разцвет на италианския Ренесанс , търсещи хармония и красота в спокойни пози (от творчеството на първия особено забележителни са групите върху паметника на Ламорисиер: „Военна храброст” и „Християнска любов”, както и „Неаполитанска певица от 15 век”. и „Ева“; творбите на втория - „Давид“ в Люксембургския музей, паметникът на Микеле в гробището Лашез в Париж и групата „Quand même“). И накрая, Франция има право да се гордее с няколко скулптори, които перфектно възпроизвеждат животни. Най-видният сред тези художници е зает от Л. Л. Бари („Лъвът, който поглъща змия“, „Почиващият лъв“ и малки бронзови групи), който може да се счита за истинския основател на този пластичен клон и негов първостепенен майстор. Освен него със заслужена слава по същия начин се радват Е. Фремие, О. Кан, Л. Навале и А. Бартолди, от които последният, независимо от произведения по специалността си, се прочу и с колосалната статуя на „Свобода“, донесена от френското правителство през 1886 г. като подарък на Съединените американски щати.

Белгийската скулптура не е нищо повече от потомък на френската - факт, който лесно се обяснява с факта, че мнозинството от белгийските скулптори са получили или завършили художественото си образование в Париж. Най-значимите от скулпторите в тази страна могат да бъдат наречени: Гийом (Вилем) Гефс (национален паметник на Площада на мъчениците в Брюксел, паметникът на Рубенс в Антверпен), брат му Йозеф Гефс (паметници на Леополд I в Брюксел и Уилям II в Хага), Франкин (паметник на Егмонт и Хорн в Брюксел) и Симонис (паметник на Годфрид Буйонски в Брюксел).

В Германия, след Торвалдсен, сред скулпторите, които се придържаха към неговата идеалистична посока, Л. Шванталер е особено достоен за внимание, за чиято дейност при баварския крал Лудвиг I беше открито широко поле за дейност за декориране на Мюнхен (колосални статуи на Бавария, скулптурни фризове в дворците на крал и херцог Максимилиан, релефи и статуи, украсяващи глиптотеката и др.). Много студенти дължат образованието си на този художник, между другото, М. Видиман (паметник на Шилер в Мюнхен и др.), Л. Шалер (паметник на Хердер във Ваймар, релефи в мюнхенската пинакотека върху сцени от живота на Й. ван Ейк, А. Дюрер и Холбайн, алегорични статуи на четири звезди и др.), Ф. Брюген (статуи на Глук, курфюрст Максимилиан Емануел и Гертнер в Мюнхен, групи: „Хирон учи Ахил“, „Меркурий и Калипсо“ и др. ), К. Цумбуш (паметник . Максимилиан II в Мюнхен, най-добрият от всички украсяващи този град; паметникът на Мария Тереза във Виена и др.) и М. Вагмюлер („Момиче с пеперуда“, „Момиче с гущер“, отлични портретни бюстове). Влиянието на Шванталер, донесено във Виена от Гасер и Фернкорн (конни статуи на ерцхерцог Карл и принц Евгений), все още се отразява в творбите на местни скулптори, от които К. Кундеман, авторът на паметника на Фр., заслужава да бъде споменат . Шуберт и В. Тилгнер, който си изгради ласкателна репутация с портретни статуи и бюстове. Друг вид движение се оформя в Берлин, където в началото на 19 век И. К. Шадов, без да пренебрегва антиките, си поставя за основна задача да възпроизведе модерността и реалния свят (колесница и метопи на Бранденбургската врата, паметници на Зитен). и принц Леополд от Десау в Берлин, Блюхер в Рощок, Лутер във Витенберг и др.). Неговите стремежи са напълно развити в дългата и влиятелна работа на Х. Раух (паметници на Фридрих Велики в Берлин, А. Дюрер в Нюрнберг, Кант в Кьонигсберг, известни фигури на Виктория, надгробни паметници на кралица Луиза и Фридрих Уилям III в мавзолея Шарлотенбург ). Берлинската школа, основана от този художник, създаде много повече или по-малко квалифицирани майстори, като: Φ. Дрейк (барелефи на паметника на Фредерик Вилхелм III в Берлинската зоологическа градина, конна статуя на император Вилхелм на жп гарата в Кьолн и други), Шифелбайн („Разрушаването на Помпей“, голям фриз в новия Берлин Музей, барелефи на моста в Диршау), Блезер (конна статуя на Вилхелм IV на моста на Рейн в Кьолн), А. Кис, който се отличава с възпроизвеждане на животни и успешно работи върху историческа скулптура (статуи на Архангел Михаил и Св. Георги, убиващ дракона; конни статуи на Фридрих Уилям III в Кьонигсберг и Бреслау), Т. Калиде, А. Волф и др. Сред берлинските скулптори на Новото време силният и страстен Р. Бегас е особено забележителен (Берлинският паметник на Шилер, бюстът на Мендел в Националната галерия; „Пан утешава Психея“, „Семейството на Фавн“, „Венера“ и Купидон” и други изпълнени с живот и движение групи) и Р. Зимеринг (мраморна статуя на крал Уилям в Берлинската фондова борса; групи „Нимфата учи младия Бакхус да танцува” и „Фавнът напоява момчето Бакхус”; „Победа” Паметник” в Лайпциг). Двама първокласни скулптори работят едновременно в Дрезден: Е. Ритшел, ученик на Раух, който следва неговата реалистична посока (основни произведения: величественият паметник на Лутер във Вормс, паметникът на Шилер и Гьоте във Ваймар, статуята на Лесинг в Brunswick) и Е. Haenel, последовател на идеалистичната школа (най-добрите творби са декоративните статуи на фасадата на Дрезденската художествена галерия, паметникът на принц Шварценберг във Виена, статуята на Бетовен в Бон). Сред другите дрезденски скулптори, по-достойни за внимание от други: И. Шилинг, ученик и последовател на Хенел (групи „Нощ” и „Ден” на терасата Брулевски, паметници на Ритшел в Дрезден и Шилер във Виена) и А. Дондорф, наследник на живия и благороден маниер на Ритшел, негов сътрудник на паметника на Лутер във Вормс, автор на конната статуя на Карл Август във Ваймар и на паметниците на Шуман в Бон и Корнелий в Дюселдорф.

В Англия скулптурата, особено монументалната скулптура, не намира благоприятна почва за себе си; в тази страна тя силно отразява италианското влияние. Най-талантливият от английските скулптори, Гибсън, ученик на Канова, работи в Рим и трябва да бъде включен в местната класическа школа (мраморни групи „Психея, измъчвана от Купидон“, „Хила и нимфите“ в Лондонската национална галерия, „Кралицата“ Виктория на трона, Между фигурите на милосърдието” и справедливостта” в сградата на парламента, надгробната плоча на херцогинята на Лестър в Лонгфорд и други). Стилът на Канова отразява произведенията на много други английски художници, които интерпретират сюжетите на древния мит в грациозни, приятни за окото форми, като например П. Макдол („Виргиний и неговата дъщеря“, „Сън за измиване“), Р. Уестмакот (статуи на Адисън, Пит, Фокс и Пърсивал в Уестминстърското абатство, лордовете Ърскин в Lincoln's Inn и Нелсън в Ливърпулската борса, фигури на фронтона на Британския музей) и R.-J. Уат („Флора“, „Пенелопе“, „Музидора“ и др.).

В Италия стремежите на пластичните изкуства не са подложени на съществено отклонение от идеалите на Канова. Талантливите художници, които го последваха, бяха П. Тенерани (надгробни плочи на херцога и херцогинята на Торлония в Сан Джовани ин Латерано, Пий VIII в катедралата на Петър в Рим, "Психея" и "Полегнала Венера с Купидон" в Императорския Ермитаж) и Л. . Бартолини (статуя на Наполеон I, в Бастия в Корсика, и Макиавели в музея Уфици във Флоренция), работи в благородния класически дух на този майстор. Ученикът на Бартолини Г. Дюпре прави лек завой към натурализма („Дева Мария, оплакваща мъртвия Спасител“ в гробището в Сиена, паметникът на Кавур в Торино, „Каин“ и „Авел“ в Императорския Ермитаж). Г. Бастиани се опита да съживи стила на италианската скулптура от 15-ти век („Група на Бакхаи“, „Четири сезона“, красиви портретни бюстове). Тогава много скулптори в Италия насочват вниманието си главно към техническата обработка на мрамора, в която постигат високо съвършенство, създавайки с особена любов сюжети, заимствани от съвременната действителност. Най-значимият от художниците на това движение е В. Вела (групата „Франция и Италия” и „Умиращият Наполеон” във Версайския музей в Париж, статуите на Виктор Емануил в кметството на Торино, „Кореджо” в неговия родния град, философът Росмани и „Пролет“). В допълнение към местните художници, броят на представителите на италианската скулптура трябва да включва много чужденци, като гореспоменатия англичанин Гибсън, който е живял и работил в Рим; такива, между другото, са холандецът М. Кесел ("Св. Себастан", "Париж", "Дискобол", сцени от Страшния съд), баварецът М. Вагнер (фриз във Валхала край Регенсбург; "Минерва", покровителка на художествената дейност на фронтона Мюнхенската глиптотека), жителят на Бремен К. Щайнхайзер („Герой и Леандър“, „Гьоте с Психея“ във Ваймарския музей, „Цигулар“ и др.) и пруският Е. Волф („Нереида“ и „ Амазонка” в Императорския Ермитаж, „Венера”, „Юдит” и др.).

Модерни времена

Скулптура в Русия

Руска империя

В предпетровските времена изкуството в Русия е имало за призвание да служи изключително на религиозни цели и тъй като Православната църква се отвращава от скулптури на човешки фигури, скулптурата в истинския смисъл на думата може не само да се развива, но и да съществува в древността Русия. Вярно е, че на някои места, особено в бившите Новгородски региони, издълбаните и рисувани изображения на светци са били на почит, но те са били чужди на всякакво художествено значение и са били продукти, възникнали под влиянието на Запада. Всъщност в Русия проявите на пластичните изкуства се ограничават до отливане на малки кръстове, сгъване на изображения, избиване на рамки за изображения и изрязване на фигурни иконостаси. Сред плодовете на западноевропейската цивилизация Петър Велики пренася в нея скулптура, която обаче при този суверен и дълго време след него е тук в ръцете на гостуващи чужденци. Основната фигура в скулптурата по време на управлението на Петър Велики и Анна Йоановна е К. Б. Растрели, бащата на по-късно известния архитект, извикан в Санкт Петербург да лее оръдия. Неговият маниерен стил се доказва от бронзовата статуя на императрица Анна и паметника на Петър Велики, стоящ пред Инженерния замък в Санкт Петербург.

Самата руска скулптура започва едва при Екатерина II, след основаването на Академията, където първият професор по това изкуство е N. F. Gillet, поканен през 1757 г. от Париж. Той обучава няколко ученици, сред които най-талантливият е Ф. И. Шубин (основната му работа е статуята на Екатерина в Академията на изкуствата). Уставът на Академията дава право на най-добрите студенти след завършване на курса да отидат с подкрепата на правителството за няколко години в чужди земи за по-нататъшно усъвършенстване и Шубин е първият млад скулптор, който се възползва от това право. Той поставя началото на дълга поредица от руски скулптори, продължаващи и до днес, които са живели и работили в чужбина, главно в Италия. Тук те, разбира се, са повлияни от популярните по това време майстори и възприемат доминиращото тогава художествено направление. Следователно скулптурата в Русия, която доскоро показваше малка независимост, отразяваше движенията, които се случваха в този клон на изкуството на Запад: в края на 18 век тя носи отпечатъка на френски, а след това на италиански - повече или по-малко забележими черти на стила на Канова, Торвалдсен, Дюпре, Тенерани и др. За всичко това сред нейните представители имаше много творци, които биха били заслуга за всяка държава. През века на Екатерина, в допълнение към Шубин, който се придържа към натурализма в творбите си, облагороден от уважение към антиките, имаше еклектичен рутинист Ф. Г. Гордеев (групата на Самсон за фонтана на Петерхоф с това име) и талантливият, донякъде маниерни М. И. Козловски (паметникът на Суворов на поляната Царицин в Санкт Петербург, статуята на „Купидон, който взема стрела от колчана“ в Ермитажа и др.). По времето на Александър I и отчасти Николай изключителни представители на руската скулптура са: В. И. Демут-Малиновски (статуя на апостол Андрей в Казанската катедрала в Санкт Петербург, „Руска Скевола“ в Академията на изкуствата, портретни бюстове и др. ), С. С. Пименов (две групи на входа на Минния институт в Санкт Петербург), И. П. Прокофиев (статуя на бягащия Актеон, тритони на Петерхофския фонтан), И. П. Мартос (паметници на Минин и княз Пожарски в Москва, херцог Ришельо в Одеса, Ломоносов в Архангелск, колосална статуя на Екатерина II в Московското благородно събрание и др.

Руската скулптура получи особено възраждане през втората половина на царуването на император Николай I благодарение на любовта на този суверен към изкуството и покровителството, което той предостави на местните художници, както и такова огромно начинание като изграждането и украсата на катедралата "Св. Исак" в Санкт Петербург и катедралата Христос Спасител в Москва. Всички руски скулптори, както най-старото, така и най-младото поколение, тогава получиха значителни държавни поръчки и, насърчени от вниманието на монарха към техните творби, се опитаха да се надминат в тях. Основните фигури в разглежданата област са били по това време: граф Ф. П. Толстой (медальони на теми от Отечествената война от 1812-1814 г., статуята „Нимфа, изливаща вода от кана“ в Петерхоф, модели за фигури на различни светци, за вратите на храма Спасител), С. И. Галберг (статуя на седнала Екатерина II в Академията на изкуствата, статуя „Изобретяването на музиката“ в Ермитажа), Б. И. Орловски („Ангел“ на Александровската колона, паметници на Кутузов и Барклай де Толи в пред Казанската катедрала, статуи „Париж“, „Сатир, свирещ на цигулка“, „Фавн и вакханка“ в Ермитажа), И. П. Витали (два фронтона на катедралата Св. Исак: „Поклонението на влъхвите“ и „Св. Исак“ благославя император Теодосий”, релефи под портиците на този храм, скулптури на входните му врати и др.), барон П. К. Клод („Укротители на коне”, четири групи на Аничковския мост, паметник на баснописец Крилов, в Лятната градина, фигура на император Николай I на кон, в Санкт Петербург, малки скулптури на коне, Н. С. Пименов (групи „Възкресение” и „Преображение” на върха на иконостаса); малки параклиси на Исакиевската катедрала; статуи „Игра на ножове“ и „Момче, което проси милостиня“), П. Ставасер (статуи „Русалка“ и „Нимфа, обута от фавн“ в Ермитажа), К. Климченко („Нимфа след къпане“ в Ермитажа), А. А. Иванов („Момчето Ломоносов” и „Париж” в Ермитажа), С. И. Иванов („Къпеца”), А. В. Логановски („Игра на купчини”; релефи под портиците на Исакиевския събор „Клането на невинните” ” и „ Появата на ангел на пастирите "; високи релефи на външните стени на църквата на Спасителя) и Н. И. Рамазанов (високи релефи от външните стени на същия храм).

Необходимо е обаче да се отбележи, че поради самия вид задачи, възложени на тези талантливи художници, те в повечето случаи бяха ограничени в работата си и не можеха да дадат пълна воля на въображението и желанието за реализъм и националност, които вече се е събудил сред тях. Това пространство се отвори с настъпването на епохата на големите реформи на Александър II - епоха, в която описателните изкуства на Русия, следвайки нейната литература, станаха изразители на самосъзнанието, което се пробуди в руското общество, и стана неволно отзивчиво на своите съмнения, желания и надежди. Въпросът не можеше да продължи без колебание и фалшиви увъртания; въпреки това, в общото си движение най-новата руска скулптура, след като направи голяма крачка напред, спечели симпатиите не само на висшите класове, но и на масите на родното общество и принуди чужденците да признаят съществуването на оригинална руска школа. От художниците, които допринесоха за това в по-голяма или по-малка степен, а също така подкрепиха достойнството на руската скулптура от втората половина на 19 век, могат да бъдат посочени: М. М. Антоколски (статуи „Йоан Грозни“, „Христос пред хората“ ”, „Смъртта на Сократ”, „Мефистофел” в Ермитажа; статуя на Петър Велики в Петерхоф), Н. Р. Бах (статуя „Пития”), Р. Р. Бах (статуя „Ундина”; високи релефи „Елф” и „Идилия” “), А. Р. фон Бок (групата „Минерва” на купола на Академията на изкуствата, паметниците на граф Паскевич във Варшава и М. Глинка в Смоленск; статуята „Психея” и групата „Венера и Купидон”), П. А. Велионски (статуя „Гладиатор“, барелеф „Венера представя Купидон“) Олимпийци“), П. П. Забело (статуя на Пушкин в Императорския Александровски лицей, „Татяна, героинята на романа на Пушкин“ при H.I.V. императрица Мария Фьодоровна и „Русалка“ за фонтана в Казан), Г. Р. Залеман (статуя „Орест, преследван от фуриите“, група „Кимври“, барелеф „Стикс“), Ф. Ф. Каменски (статуи „Момче скулптор“ и „Момиче гъбарка“ и група „Първият Стъпка” в Ермитажа), В. П. Крейтан (портретни бюстове), Н. А. Лаверецки (групи „Ранно кокетство” в Ермитажа и „Момче и момиче с птица”); статуя на „Родопа“), E. E. Lansere (малки групи и фигурки от битка и бита с отлични фигури на коне), N. I. Liberich (фигурки и малки групи, изобразяващи военни и ловни теми), L. L. Obera (творби от същия вид), А. М. Опекушин (паметник на Пушкин в Москва), И. И. Подозеров (статуи „Купидон с пеперуда“ и „Ева“; портретни бюстове), М. П. Попов (статуя „Неаполитански рибар, свирещ на мандолина“, „Кокетка“, „Фрина“ ), А. В. Снигиревски (статуя „Любопитство“, група „В бурята“; малки групи от жанров характер), М. А. Чижов (групи „Селянин в беда“, „Игра на блъф на слепия“, „Майка, която учи дете на родното слово ”; „Първа любов”; статуя „Веселия”) и накрая И. Н. Шрьодер (паметници на принц П. Г. Олденбург и Крузенщерн в Санкт Петербург; Петър Велики в Петрозаводск).

СКУЛПТУРА(лат. скулптура, от sculpo - изрязвам, изрязвам), скулптура, пластика - вид изобразително изкуство, чиито произведения имат обемно-пространствена форма, триизмерна и осезаема.

Скулптурата е разделена на кръгъл, свободно разположени в пространството, и облекчение, при които триизмерните изображения са разположени върху равнина.

Скулптурата може да бъде разделена на видове - статив, монументален, монументално-декоративнискулптура, малка пластична хирургия. Скулптурата възпроизвежда реалния свят, но основният обект на изображението е човек, чрез чийто външен вид неговият вътрешен свят, характер, психологическо състояние, както и човешкото тяло, предаване на движение (глава, бюст, торс, статуя, скулптурна група) се предават. Изображенията на животинския свят съставляват анималистичния жанр на скулптурата.

Изразителността на скулптурата се постига чрез изграждане на основни планове, светлинни равнини, обеми, маси и ритмични отношения. Яснотата и целостта на силуета са от голямо значение. Текстурната обработка на повърхността и детайлите допълват изразителността на пластичното решение на скулптурния образ. Скулптурните материали са камък (мрамор, варовик, пясъчник, гранит и др.), дърво, кост, метал (бронз, мед, желязо и др.), глина и печена глина (керамика - теракота, майолика, фаянс, порцелан и др.). .), гипс.

Една от най-древните форми на изкуство. Различни форми на скулптура съществуват сред всички народи по света от дълго време: женски фигури и неолитни релефи ( Венера от Савиняно(Модена), 10–8 хил. пр.н.е.). Развитите форми на скулптурата са известни сред народите на Древния Изток ( Кралица Нефертити, 14 век пр.н.е., Берлински държавни музеи; релефи от двореца на Ашурнасирпал II в Нимруд, 883–859 г. пр. н. е., Лондон, Британският музей), Древна Америка. Важен етап в историята на скулптурата е античността, чиито идеали са били да се създаде образ на хармонично развита личност (Мирон, Фидий, Поликлетос, Праксител, Скопас).

Европейската скулптура от Средновековието съществува в тясна връзка с архитектурата. През 15–19в. скулптурата става по-свободна в композиционните решения, създава образи на хора, които са сложни в психологически и пластични концепции (Донатело, Микеланджело, Л. Бернини, А. Гудон, О. Роден, Ф. И. Шубин). През 20 век методите и материалите на скулптурата се актуализират, скулпторите (А. Майол, А. Бурдел, Г. Мур, С. Т. Коненков, В. И. Мухина) разширяват диапазона от теми, жанрове, визуални и изразителни възможности на скулптурата, намират възможности за нейното обновяване (мемориал ансамбли, музеи и открити скулптурни комплекси и др.).

Един вид скулптура, видима от всички страни, се нарича кръгла скулптура (статуя или композиция). Байпасът е едно от най-важните условия за възприемане на кръгла пластика. За да разгледа триизмерния обем на скулптурата, да си представи решението на статуята като цяло или да види всички фигури в скулптурна група, зрителят трябва да се разходи из скулптурната творба. Особеността на кръглата скулптура е, че изображението може да се възприема по различен начин от различни гледни точки: раждат се нови впечатления, които разкриват модела в непрекъснато променящи се силуети. Пластичната изразителност придобива особено въздействие чрез използването на преходи на светлина и сянка. Мирон Хвъргач на диск(ок. 450 г. пр.н.е., Рим, Национален римски музей) (), Венера Милоска(ок. 130–120 пр.н.е., Париж, Лувър) (), Донатело Свети Георги(1415–1417, Флоренция, Национален музей), Микеланджело Пиета(1498–1501, Рим, базиликата Св. Петър), Л. Бернини Екстаз на Св. Тереза(1645–1652, Рим, църквата Санта Мария дела Витория)

Релефът (фр. relief) е вид скулптура, при която изобразените фигури и предмети са разположени върху равнина и излизат от нея. Фонът на релефа може да бъде изпъкнали изображения (пейзаж, архитектура). Релефните изображения са свързани с равнина и не възпроизвеждат пълния обем на изобразеното тяло. Майсторите на релефа често използват средствата и възможностите на живописта и графиката. Цветът често се използва при създаване на релефи. Релефът се появява в Древен Египет, Асирия и е доразвит в Древна Гърция и Древен Рим, в средновековна Европа, през Ренесанса и съществува и до днес. Л. Гиберти, врати на баптистерия във Флоренция (1404–1424) (), барелеф от Ф. Рюд Марсилеза(1832 г., Париж, Триумфалната арка) ().

Вид изпъкнал релеф е барелеф(Френски барелеф - нисък релеф) - нисък релеф, при който изображенията изпъкват над равнината на фона с не повече от половината от пълния си обем. Барелефът украсява стени на сгради, пиедестали на паметници, стели, мемориални плочи, монети, медали, камеи.

Друг вид изпъкнал релеф е висок релеф(Френски haut-relief - висок релеф) - висок релеф, при който изображението се издига над фоновата равнина с повече от половината от обема си и може да се възприема като почти кръгла скулптура, леко в контакт с равнината. Изпъкнал релеф, барелеф и високият релеф е известен още от епохата на палеолита, често срещан в изкуството на Древния Изток, античността и Средновековието, Ренесанса и в следващите епохи като част от архитектурната украса.

Вид барелеф, често срещан през Ренесанса, е живописен релеф, в който фигурите и предметите са силно сплескани, а фонът – пейзаж, архитектура – е очертан слабо релефно. Живописният релеф заема междинна позиция между скулптурата и живописта и е подобен на живописта, т.к. може да използва перспективни изрязвания и живописни ефекти (слънчеви лъчи, облаци, вълни). Разликата между изображенията, които изпъкват силно и слабо над фона в живописния релеф, е малка; голяма роля играе почти графичен линеен модел. Изобразителният релеф често се използва в релефи за предаване на фона, но понякога изображението е направено по метода на изобразителния релеф, включително фигури на преден план (релеф на олтара на църквата Сан Антонио в Падуа, 1446–1450 г., Донатело).

Релеф, в който изображението е разположено в няколко пространствени равнини , Наречен многостранен релеф. Това дава възможност да се изобразят много фигури на фона на архитектурата и ландшафта, което от своя страна визуално пресъздава пространството, което се задълбочава с помощта на перспективни изрезки. Многоизмерният релеф използва контрасти на светлина и сенки, падащи сенки, архитектурни и ландшафтни елементи, за да създаде илюзията за пространство. „Райски“ източни порти на баптистерия във Флоренция (1425–1452, Л. Гиберти).

Видът барелеф, при който изображението се издига над фона в минимална степен, се нарича сплескан релеф. Изисквайки специална виртуозност и финес на пространствените отношения, плоският релеф възниква в Италия и получава най-високо развитие в скулптурата от 15-ти век. (Донатело).

Релефът може да изпъкне над равнината на фона (изпъкнал релеф) или да влезе по-дълбоко в нея. Дълбок релефима две разновидности: контрарелеф - вид негатив на изпъкнал релеф (на дълбоки печати се използва за получаване на отпечатъци под формата на миниатюрен барелеф) и койланаглиф (en creux - френски „кух релеф“), с дълбок контур и конвексно моделиране. Дълбочинен релеф се среща в архитектурата на Древен Египет, върху древни източни и древни интаглии, които са служили главно като печати. Инталио (италиански intaglio - резба) - камък с издълбан дълбок релеф, за разлика от камея, която имаше изпъкнало изображение и беше декорация

Станковата скулптура е вид скулптура, която има свой собствен смисъл. Включва различни видове скулптурна композиция (глава, бюст, фигура, група), различни жанрове (портрет, сюжет, символична или алегорична композиция, анималистичен жанр). Стативната скулптура е проектирана да се възприема от близко разстояние и не е свързана със средата или архитектурата на обекта. Обичайният размер на стативната скулптура е близък до естествения размер. Сталковата скулптура се характеризира с наративност и психологизъм, често се използва езикът на метафорите и символите. Един от най-развитите жанрове на стативната скулптура е портретът (бюст, портретни статуи, релеф), който предоставя уникална възможност за възприятие - разглеждане на скулптурата от различни гледни точки, което предоставя огромни възможности за многостранна характеристика на личността. изобразен. Скулптурният портрет е известен още от времето на Древен Египет ( Статуя на писаря Кая,сер. 3 хиляди пр.н.е ., Париж, Лувър).

Монументалната скулптура е един от най-старите видове скулптура с култова, мемориална цел. Монументалната скулптура включва едно- и многофигурни композиции, конни паметници, мемориални ансамбли, паметници в памет на забележителни хора и събития, мемориални статуи, бюстове и релефи. Разположен в градска или природна среда, той организира архитектурен ансамбъл, органично се вписва в природния пейзаж, украсява площади, архитектурни комплекси, създавайки пространствени композиции, които могат да включват архитектурни структури, мемориални форми (триумфална арка, триумфална колона, обелиск, плоча с релеф). и надписи), монументална скулптура. Монументалната скулптура, предназначена да се възприема от големи разстояния, е изработена от устойчиви материали (гранит, бронз, мед, стомана) и е инсталирана на големи открити пространства (на естествени възвишения, върху изкуствено създадени насипи). Активният силует и обобщената интерпретация на обемите са от голямо значение в монументалната скулптура. Марк Аврелий, 161–180, Рим, Капитолийски площад; П. К. Клод Укротители на коне, Санкт Петербург, Аничков мост, 1849–1850.

Вид скулптура, тясно свързана с архитектурата и природния ландшафт, се нарича монументално-декоративна скулптура. Оформя фасади и интериори на сгради, мостове, триумфални арки, фонтани, малки архитектурни форми, включва се в естествената среда на градини и паркове. Скулптурата може да служи като опора в архитектурна структура (атланти, кариатиди) или да украсява сгради (фронтони, метопи, портали, мазилка, абажури, панели). Парковата скулптура взаимодейства с природната среда, което определя нейното лирично звучене и влечение към алегоричните образи. Монументалната и монументално-декоративната скулптура е тясно свързана с архитектурата.

Скулптурата, като триизмерно изкуство, изисква подходяща организация на околното пространство и архитектурна среда. Резултатът е синтез на архитектура и скулптура, което значително засилва както идейната, така и художествената сила на творбата. Проблемите на синтеза с архитектурата са едни от най-важните в разбирането и възприемането на монументалната и монументално-декоративната скулптура. Уникален пример за високохудожествен синтез на архитектура и скулптура е Атинският Акропол (450–410 г. пр.н.е.) (), дворцовият ансамбъл на Версай (). Монументалната и декоративна скулптура започва да се развива от древността: Марк Аврелий(161–180, Рим), Микеланджело Дейвид(1501–1504, Флоренция), Е. М. Фалконе Петър I(1766–1778, Санкт Петербург), В. И. Мухина работник и колхозник(1935–1937, Москва).

Малка пластика, малка пластика, скулптура от малки форми е най-често срещаният вид скулптура. Малката пластика възниква в зората на човешкото общество; тя се открива при разкопки на най-древните селища: изделия от печена глина, дърво, кост и каменна резба. Пластичните изкуства с малки форми са малки произведения на жанрови и битови теми, портретни фигурки и др., Произведени в много копия и предназначени за широко разпространение. Малката пластика включва както произведения на кръглата скулптура, така и релефи: декоративни медальони, възпоменателни медали, глиптика (гръцки glyptike, от glypho - издълбавам) е изкуството на резба върху скъпоценни и полускъпоценни камъни, стъкло и слонова кост. Издълбани камъни (скъпоценни камъни) служеха като амулети, печати и декорации ( Камео Гонзага, 3 век пр.н.е., Санкт Петербург, Ермитаж). Малката пластика включва антични фигурки от теракота, бронзови фигурки, японски нецке (от 17 век), порцеланови фигурки и народни играчки.

Основните жанрове на скулптурата (фр. genre - вид, вид) са портрет, битова скулптура, тематична композиция (двуфигурна, многофигурна композиция), анималистичен жанр.

Един от най-старите жанрове на изкуството в скулптурата е портрет -изображение на човек или група хора, даващо представа за външния вид и вътрешния свят на портретуваното лице. В този жанр има определени обобщения: портрет на характера, показващ естествените свойства на човек; типов портрет, който характеризира определен тип хора; портрет на настроението, който дава емоционална характеристика на човек; портрет-символ. Портретът в скулптурата се разделя на следните форми: глава, бюст, полуфигура, полуфигура, фигура. Бюст (фр. buste, от италиански busto - торс, туловище) е бюстообразно изображение на човек в кръгла скулптура. Появявайки се в Древен Египет и Древна Гърция, бюстът получава ярко развитие в изкуството на Древен Рим и е широко разпространен в изкуството на Ренесанса, 17-20 век. (Донатело, Л. Бернини, Гудон, Ф. И. Шубин, В. И. Мухина).

Скулптура битов жанрпоказва хора в познатата им среда, ангажирани с редовни дейности. Скулптурата от този жанр може да бъде малка или средна по размер. Творбите могат да бъдат еднофигурни и многофигурни. Произведенията на битови теми съществуват от древни времена, близки са до народното изкуство и са популярни в малката пластика.

Скулптурни произведения, свързани с тематична композиция, може да показва една фигура или няколко. Най-често фигурата се изобразява в едър план и тази голяма кръгла скулптура, изобразяваща човешка фигура в цял ръст, се нарича статуя (лат. statua). За многофигурна композиция е важно да се изгради група, в която всяка фигура е в съответствие с останалите, без да губи собствената си роля. (Мирон Атина и Марсий; Микеланджело Пиета, 1498–1501, Рим, Св. Петра; А. Майол Три нимфи).

Жанрът на скулптурата, посветен на изобразяването на животни, се нарича животинскижанр (от лат. животно - животно). Анималистът се обръща към художествените характеристики на животното, неговите навици. Изразителността на фигурата, силуета и колорита са особено важни в парковата скулптура и малката пластика. Често в скулптурата присъстват както животни, така и хора. Скулпторите са изобразявали животни още от първобитната комунална система; те са широко разпространени в изкуството на Древен Египет, в древната скулптура и в следващите епохи.